Francuski debiut Pauline Loquès przedstawia szok medyczny jako ciche paryskie studium strachu, przyjaźni i zwyczajnego życia
Nino to delikatny, powściągliwy francuski dramat o młodym mężczyźnie zmuszonym do życia w zwyczajnych godzinach po tym, jak poważna diagnoza zmienia wszystko. Debiutancki film Pauline Loquès, z Théodore'em Pellerinem w roli głównej, wydaje się być mniej skupiony na melodramacie, a bardziej na dziwnej moralnej pogodzie kryzysu: sprawunkach, milczeniu, pominiętych słowach i drobnych spotkaniach, które trwają, podczas gdy przyszłość nagle się zawęża. Niniejsza recenzja opiera się na materiałach z festiwalu, notatkach prasowych i udokumentowanym kontekście krytycznym, a nie na bezpośrednim dostępie do projekcji.
Fabuła jest surowa. Nino, grany przez Pellerina, otrzymuje diagnozę raka na krótko przed swoimi 29. urodzinami i dowiaduje się, że leczenie rozpocznie się w ciągu kilku dni. Zanim to nastąpi, musi wykonać dwa pilne zadania, w tym zapewnić sobie możliwość przyszłej płodności. Oficjalny Lista na Tydzień Krytyków w Cannes opisuje film jako trzydniową podróż po Paryżu, podczas której wykonywane zadania zmuszają go do ponownego zwrócenia się ku światu i samemu sobie.
Ta struktura daje Nino Jego najbardziej obiecująca cecha: rozumie, że kryzys rzadko bywa filmowy w oczywistym sensie. Ciało otrzymało straszne wieści, ale miasto nie zwalnia tempa. Trzeba się umówić na spotkanie. Klucze się gubią. Przyjaciele się spotykają. Matki, byli kochankowie i nieznajomi pozostają w niepełnym kontakcie. Życie, z niemal nieprzyzwoitą wytrwałością, toczy się dalej.
Miasto, które nie chce się zatrzymać
Paryż Loquèsa nie jest przedstawiony jako romans pocztówkowy. W Wywiad w ramach Tygodnia KrytykówReżyserka wyjaśniła, że chciała pokazać miasto w budowie, większe niż prywatna katastrofa rozgrywająca się w jednym człowieku. Ta idea nadaje filmowi humanistyczne napięcie. Diagnoza Nino izoluje go, a miasto wielokrotnie odmawia mu czystej prywatności rozpadu.
Widoczne jest tu wyraźne nawiązanie do twórczości Agnès Vardy Cléo od 5 do 7, kolejny film o osobie poruszającej się w przestrzeni publicznej, czekając w cieniu choroby. Ale Nino Wydaje się, że przenosi akcent z napięcia na wahanie. Pytanie brzmi nie tylko, co diagnoza oznacza z medycznego punktu widzenia, ale także jak ją wypowiedzieć. Jak młody człowiek może powiedzieć ludziom, że jego przyszłość została nagle zmieniona? Ile pocieszenia można zaoferować, zanim słowa staną się niewystarczające?
Rola Pellerina wydaje się kluczowa dla tego problemu. Kanadyjski aktor był szeroko chwalony za tę rolę, a materiały publiczne przypisują filmowi nagrodę Louis Roederer Foundation Rising Star Award podczas Tygodnia Krytyki. Rola wymaga swoistego, ekspresyjnego powstrzymywania się: mężczyzna obecny w pomieszczeniach, ale nie w pełni zdolny do włączenia się w rozmowy, które teraz mają największe znaczenie. W tym sensie, Nino wydaje się traktować ciszę nie jako pustkę, lecz jako zablokowaną mowę.
Choroba bez sentymentalizmu
Ryzyko w każdym filmie, którego tematem jest poważna choroba, polega na tym, że cierpienie staje się albo lekcją, albo narzędziem. Nino Wydaje się, że film unika obu pułapek, utrzymując skromną skalę. Nie zmienia diagnozy w heroiczne przebudzenie. Nie spłaszcza też postaci do symbolu kruchości. Zamiast tego, emocjonalna siła filmu zdaje się pochodzić z bliskości: zażenowania procedurami medycznymi, niezręczności związanej z potrzebą pomocy, bolesnej komedii zwyczajnej logistyki w najgorszym możliwym momencie.
Ta powściągliwość ma etyczne znaczenie. Film o raku może łatwo stać się manipulacją, zwłaszcza gdy w grę wchodzą młodość i płodność. Podejście Loquèsa, opisane w materiałach festiwalowych i kinowych, wydaje się bardziej skupione na kruchości ciała niż na inspirującym wzroście. Nino nie jest proszony o to, by stał się szlachetny dla widza. Pozwala mu się być oszołomionym, wymijającym, zabawnym, biernym i żywym.
Notatki prasowe Irlandzkiego Instytutu Filmowego, które będą miały premierę 19 czerwca, umieszczają film w rejestrze humoru i wrażliwości. To połączenie ma znaczenie. Jeśli Nino Działa tak silnie, jak sugeruje jego odbiór, ponieważ strach nie jest traktowany jako pojedynczy, ciemny kolor. Przerywają go drobne absurdy, uczucie, żenująca uporczywość pożądania i społeczna struktura weekendu, który nie chce stać się wyłącznie tragiczny.
Debiut cichej uwagi moralnej
Co sprawia, że Nino Kulturowo rezonuje nie tylko narracja o chorobie, ale także uwaga poświęcona życiu młodych dorosłych zawieszonych między niepewnością a więzią. Współczesne kino europejskie często silnie akcentuje ludzi w okresie transformacji: migrantów między systemami, pracowników między kontraktami, rodziny między językami, młodych ludzi między autonomią a zależnością. Loquès zdaje się umieszczać medyczną wrażliwość w tym szerszym, emocjonalnym krajobrazie.
W filmie pojawia się również wątek zdrowia publicznego, który nie przeradza się w dramat obyczajowy. Zachowanie płodności, czas trwania leczenia i surowe procedury opieki szpitalnej – wszystko to wskazuje na sposób, w jaki choroba jest leczona zarówno w wymiarze instytucjonalnym, jak i osobistym. Siła filmu tkwi w rozdźwięku między tymi systemami a osobą w nich przebywającą. Dla szpitala Nino musi podążać za pewną sekwencją. Dla Nino czas stał się czymś dziwnym.
Prawdopodobna słabość tkwi w tej samej powściągliwości. Film, który opiera się na przelotnych spotkaniach i powściągliwych wypowiedziach, może ryzykować lekkość. Widzowie poszukujący rozwoju narracji, katharsis lub bezpośredniej konfrontacji mogą uznać tę strukturę za zbyt delikatną. Kameowe ruchy przyjaciół, rodziny i nieznajomych mogą również sprawić, że niektóre relacje będą raczej zarysowane niż w pełni rozwinięte.
Ale to może być sedno sprawy. Nino Wydaje się raczej filmem o powrocie niż dramatem rozwiązania: młody mężczyzna, na krótko wyrzucony poza zwyczajne życie przez diagnozę, odkrywa, że zwyczajne życie to wciąż jedyne miejsce, w którym strach może się zadomowić. Jego godność tkwi w odmowie uporządkowania tego doświadczenia i przekształcenia go w przesłanie.
Werdykt
Nino Zapowiada się na pełen wdzięku i emocjonalnie wymagający debiut: skromny w rozmachu, poważny bez ciężaru i wyczulony na ludzką niezręczność otaczającą chorobę. Jego tematem jest śmiertelność, ale prawdziwym terytorium jest kontakt. Dłoń na ramieniu, nieudane wyznanie, spacer po mieście, które nie przestaje się poruszać: Loquès zdaje się dostrzegać dramatyzm w chwilach, gdy życie zagrożone zerwaniem po cichu sięga ku innym.
Dla europejskiej widowni jest to rodzaj filmu, który może wydać się mały, dopóki nie zastanowimy się, co tak naprawdę pokazuje: prawo do odczuwania strachu bez przekształcania się w studium przypadku oraz kruche rytuały społeczne, które pomagają ludziom pozostać ludźmi, gdy ciało staje się niepewne.
