Hablar de un cumpleaños malcriado. Durante los años previos a su 150 aniversario, el Museo Metropolitano de Arte había estado planeando una oleada de programación de celebración: una revisión de sus galerías británicas, debuts de grandes regalos de fotografía y dibujo, nuevas exhibiciones interculturales, un simposio internacional sobre coleccionismo, una sesión de fotos en el Gran Salón con el alcalde y un gran pastel.
En el centro de este jubileo a la escala de Busby Berkeley iba a estar “haciendo el met,” una exposición que mapea el crecimiento y las transformaciones de la colección del museo. Ya sabe el resto: días antes de la inauguración prevista de la muestra, la pandemia de coronavirus obligó a cerrar este museo y a todos los demás en Nueva York, y convirtió el sesquicentenario del Met en un annus horribilis.
El museo prevé ahora una pérdida de 150 millones de dólares en ingresos para el año y ha redujo su personal en un 20 por ciento a través de despidos, licencias y jubilaciones anticipadas. Los espectáculos se han retrasado o cancelado, los presupuestos se han ajustado. El Met Breuer, su satélite de cuatro años, al azar, cerró con un gemido; su cuidada última muestra, del pintor alemán Gerhard Richter, vio la luz hace apenas nueve días.
En junio, el director del Met, Max Hollein, se disculpó por una declaración fallida de solidaridad con Black Lives Matter después de que los asesinatos de George Floyd y Breonna Taylor encendieran discusiones en línea sobre las fechorías pasadas y presentes de los museos. Más tarde ese mes tuvo que disculparse nuevamente, después de un curador senior dio un paso en falso en Instagram mientras manifestantes en todo el país derribaban estatuas. El Sr. Hollein, utilizando un lenguaje mucho más directo que sus predecesores, admitió que "no hay duda de que el Met y su desarrollo también están conectados con una lógica de lo que se define como supremacía blanca".
Entonces, el museo que reabre al público el sábado, después del cierre más largo de su historia, ha recibido algunos golpes, y "Making the Met" ahora tiene que responder preguntas más importantes. ¿Qué clase de institución es esta? ¿Cómo este museo, cualquier museo universal, da cuenta hoy de sí mismo?
Andrea Bayer, subdirectora de colecciones y administración del Met, y Laura D. Corey, investigadora sénior del museo, han tratado de elaborar esa cuenta con un equipo de cientos, todos acreditados por su nombre en la entrada de “Making the Met. ” Sus más de 250 objetos se muestran, en términos generales, por la fecha en que el Met los adquirió en lugar del período o lugar en que se fabricaron. Este principio de organización inusual le permite mapear el crecimiento del Met de una habitación a otra, incluso cuando crea extrañas y fascinantes yuxtaposiciones a lo largo del tiempo.
Mascarilla corporal, de mediados del siglo XX, creada por el pueblo Asmat de Nueva Guinea. El joven antropólogo Michael Rockefeller negoció su compra con los líderes del clan Asmat en 20 y desapareció el mismo año. Museo de arte
Los dibujos de Miguel Ángel se mezclan con la estatuaria egipcia. Las arpas birmanas se sientan junto al encaje flamenco. El prólogo del espectáculo, donde van Gogh y Rodin aparecen con una poderosa figura Mangaaka del reino de Kongo tachonada de clavos y una fotografía de Richard Avedon de Marilyn Monroe, atestigua la fuerza y la amplitud incomparables de la colección del Met, primero inspirada en el modelo europeo. museos y ahora superándolos.
Para los visitantes que regresen después de cinco meses, la catolicidad de estas galerías será un placer. Aquí hay un mini-Met solo para leyendas, que se puede apreciar en la superficie como una casa del tesoro sobresaturada. Pero en su estructura, “Making the Met” tiene que ver con las ambiciones y los puntos ciegos de una institución, y los esquemas cambiantes de significado, valor e interpretación que forman un marco invisible alrededor de toda la belleza del mundo.
Esas ambiciones comenzaron en 1866, en un arrebato de optimismo estadounidense tras el final de la Guerra Civil, y dieron sus frutos cuatro años después con la adquisición de un sarcófago romano. El primer Met, al igual que los museos de arte casi contemporáneos de Filadelfia, Boston y Chicago, obtuvo una puntuación bastante más alta en aspiración que en conocimiento. Pintura de Anthony van Dyck de 1624 “Santa Rosalía intercediendo por los azotados por la peste de Palermo”. Un trabajo apropiado para nuestro tiempo actual, fue una de las primeras adquisiciones del Met. Credit... Karsten Moran para The New York Times
Las primeras compras en “Making the Met” incluyen un fino busto de mármol de Benjamin Franklin, del escultor francés de la era revolucionaria Jean Antoine Houdon, pero también atribuyó erróneamente a los viejos maestros, réplicas de esculturas europeas y miles de antigüedades chipriotas que su primer director, Luigi Palma di Cesnola, excavado con algo menos de rigor científico. (También entre estas primeras adquisiciones se encuentra la pintura de 1624 de Anthony van Dyck de Santa Rosalía, la protectora de Palermo azotada por la peste, que tuve la suerte de ver en los primeros días de la pandemia.) “No contiene ningún ejemplo de primer nivel de un genio de primer nivel”, se quejó un crítico anónimo de The Atlantic Monthly, que resultó ser Henry James.
Pero el Met estaba en marcha, y desde aquí “Making the Met” traza el desarrollo de la colección en nueve galerías cronológicas más, unidas por un callejón central que muestra proyecciones del antiguo mostrador de información del museo, el taller de señalización y las salas de reparación.
Una galería se centra en las colecciones de estudio profundo de textiles, obras en papel e instrumentos musicales del Met, establecidas a principios del siglo XX. Otro se enfoca en las antigüedades adquiridas a través de excavaciones arqueológicas financiadas por museos de las décadas de 20 y 1920, cuando el Met repartía los descubrimientos con los países anfitriones bajo un principio legal ahora obsoleto llamado "participación". Una imponente estatua sentada de la faraona Hatshepsut, desenterrada en Egipto en 30-1927, ingresó al Met de esta manera, o al menos lo hicieron su cabeza y su brazo izquierdo; el museo solo reconstruyó su cuerpo más tarde después de encontrar las otras partes en Berlín. La imponente “Estatua sentada de Hatshepsut” (circa 28-1479 a. C.). Visible a través de la ventana está el obelisco "La Aguja de Cleopatra" en Central Park. Credit... Karsten Moran para The New York Times
Los máximos impulsores del crecimiento de la colección, tanto en la primera Edad Dorada como en la actual, fueron los más ricos de la ciudad: JP Morgan, Robert Lehman, y otros financieros e industriales que heredaron los gustos, y en el mejor de los casos la noblesse oblige , de los príncipes europeos. Se propusieron “convertir la carne de cerdo en porcelana”, en las palabras bastante torpes de uno de los primeros miembros del consejo de administración del museo, y “Making the Met” tiene montones de sus mejores donaciones, de un exquisito lámpara de mezquita del siglo XIV, que Morgan regaló en 1917, a un bruñido 1636 retrato de van Dyck de la reina embarazada Henrietta Maria de Inglaterra, que Jayne Wrightsman legó al Met tras su muerte el año pasado.
“Mujer con camisola en un sillón” de Picasso, de 1913-14, cuyas articulaciones disyuntivas de brazos y senos están en deuda con la estatuaria de África Occidental, es otra novedad; Leonard Lauder lo entregó el año pasado, como parte de su prometido regalo de pintura cubista que ha reforzado las posesiones de un museo que alguna vez tuvo miedo del modernismo. “Cristo muerto con ángeles” de Manet (1864), en el que se ve a Jesús flotando entre la vida y la muerte. Nuestro crítico lo llama “una de las pinturas más asombrosas de todo el museo”. Credit…Edouard Manet, vía The Metropolitan Museum of Art
Los regalos impresionistas transformadores de la familia Havemeyer (cuyas fortunas, reconoce un texto aquí, se hicieron en el brutal comercio del azúcar) ocupan casi toda una galería en esta muestra. El audazmente contundente "Cristo muerto con ángeles" de Manet (1864), un regalo de Havemeyer en el que el cetrino Jesús, flotando entre la vida y la muerte, se asoma en una cueva sin profundidad, sigue siendo una de las pinturas más asombrosas de todo el museo. Aquí funciona casi como un freno de emergencia, apareciendo con la lujuriosa "Mujer con un loro" de Courbet (1866) y uno de los primeros paisajes fluviales al aire libre de Monet, "La Grenouillère" (1869), pero también con las donaciones de Havemeyer como jarrones Tiffany opalescentes y una impresión de "La gran ola" de Hokusai, alrededor de 1830-32. Una vista de instalación de algunas de las adquisiciones islámicas, que incluye, desde la izquierda: el final de una balaustrada; en la pared, un folio de “Hamzanama (Las aventuras de Hamza)”; dos folios, uno del Álbum de Shah Jahan y el otro del Álbum de Shah Jahan; y una “Pantalla de ventana perforada (Jali)” de principios del siglo XVII.Credit…Karsten Moran para The New York Times
Durante la Segunda Guerra Mundial, varios funcionarios del museo se unieron al esfuerzo por salvar, catalogar y restituir el arte saqueado por los nazis. Estos “Hombres de los Monumentos” —y varias mujeres— incluían a James J. Rorimer, el director de Cloisters (y más tarde de todo el Met), cuyo cuaderno aquí está abierto a un inventario del botín que encontró en el Castillo de Neuschwanstein en 1945; y Edith A. Standen, conservadora de tapices y militar condecorada, que supervisó la restitución de miles de obras de arte a los museos estatales de Berlín. Está representada aquí por su uniforme militar de lana rígida, ahora parte del Instituto del Traje. “Night-Shining White” (alrededor de 750), una pintura en pergamino de un corcel corcoveado del pintor Han Gan de la dinastía Tang.Credit...Han Gan, vía Museo Metropolitano de Arte
Las adquisiciones realizadas alrededor del centenario del museo ilustran la expansión de la posguerra de la colección asiática y las posesiones islámicas; la creación del ala Rockefeller para el arte de África, Oceanía y las Américas Indígenas; y una creciente aceptación de la creación moderna y contemporánea. Deténgase ante "Night-Shining White", una enérgica pintura en pergamino de un corcel corcoveado del pintor Han Gan de la dinastía Tang, y examine la crin erizada y las fosas nasales dilatadas del caballo blanco. Examine la extraordinaria máscara de cuerpo completo, tejida por el pueblo Asmat de Nueva Guinea, con ojos de madera tallada y pestañas de plumas de casuario.
¿Y ahora? La conclusión abierta de “Making the Met” sugiere algunas prioridades nuevas para los departamentos del museo. El equipo de escultura europea ha adquirido algunos judaicos venecianos, el departamento islámico ha comprado tocados con adornos dorados para un hajji indonesio, y la división moderna posee obras recientes del escultor ghanés El Anatsui y el artista indio. Mrinalini Mukherjee, objeto de una retrospectiva de Met Breuer el verano pasado. Una instalación de “Making the Met”. En la pared del fondo está "Dusasa II" de El Anatsui, 2007. Credit... Karsten Moran para The New York Times
La conclusión es algo holgada, pero para un programa sobre coleccionismo, ese puede ser el punto. Porque el principal desafío del Met en 2020 no es qué comprar. Es cómo mostrarlo y si un museo de 150 años puede seguir siendo lo suficientemente ágil como para forjar nuevas prácticas de investigación, interpretación y exhibición.
Es fácil identificar lagunas en una colección supuestamente "universal" y muy fácil publicar juicios anacrónicos de lo que sus predecesores ignoraron. Más difícil y más importante es comprometerse con la estructura profunda del coleccionismo: comprender qué valoramos más, cómo y por qué, mientras el museo intenta trazar un camino desde el eurocentrismo hacia un universalismo real. Las participaciones del Met se han globalizado, sin duda. Y no están implicados tan directamente en la violencia colonial como los museos etnográficos llenos de botines de Europa Occidental. Aun así, si el “desarrollo” del Met, como dice el propio Hollein, está “conectado con una lógica de lo que se define como supremacía blanca”, entonces, ¿qué se va a celebrar exactamente en esta fiesta de aniversario? Una caja de pared contiene una vertiginosa variedad de piezas intrincadas, incluida una botella de vidrio islámica, figuras de alabastro y una cubierta de libro con figuras de marfil de antes de 1085. Credit... Karsten Moran para The New York Times
La respuesta, afirman la Sra. Bayer y su equipo en "Making the Met", se encuentra dentro de los hermosos objetos mismos, en las capas de historia que se han acumulado en el último siglo y medio. Estas obras, habiendo viajado a Nueva York desde todos los rincones, traen recuerdos de encuentros, cicatrices de violencia, nuevos nombres, nuevos precios. Se han transformado a medida que se han movido, por lo que están en una posición ideal para mapear las intersecciones y la interdependencia de nuestras historias.
Pero para articular esa interdependencia necesitas hacer más que llenar los vacíos en una colección supuestamente universal. Se necesita una nueva “ética relacional”, en palabras de la historiadora del arte francesa Bénédicte Savoy y el economista senegalés Felwine Sarr, autores del innovador informe de 2018 sobre la restitución del arte africano. La ética relacional significa reconocer que lo que el museo una vez llamó “universal” era una visión del mundo específica, no para desecharla por completo, sino para ser absorbida por una red global de otras tácticas, otros enfoques, otras voces.
La ética relacional significa tratar los objetos de la colección no como objetos estáticos de belleza, sino como vectores cuyos significados y valores cambian a medida que circulan entre las personas, como lo hizo el Met en “Globo entrelazado”, su exposición textil increíblemente inteligente de 2013. Significa abrir nuevos circuitos de investigación y colaboración que se extienden mucho más allá del 1000 de la Quinta Avenida, como lo ha hecho el Met en su actual espectáculo de gran impacto “Sahel”, cuyos curadores trabajaron con colegas en Senegal y Níger. La ética relacional significa algo mucho más profundo que un ejercicio de marcar casillas; significa elaborar el humanismo que supuestamente representa el Met en su extensión más completa y global.
Los reformistas dentro de nuestros museos universales ahora prometen “inclusión”. Los radicales fuera de ellos prefieren la "descolonización". Pero ambos objetivos se convertirán en nada, como entendieron la Sra. Savoy y el Sr. Sarr, a menos que veamos la cultura como una cadena infinita de diferencias, que siempre desafía las oposiciones binarias que hemos heredado de la era del imperio, el colonialismo y la cultura enciclopédica. coleccionar El Met en 2020 tiene el potencial de ser un ejemplo de esta ética relacional y de colocar la estatua de Mangaaka, el dibujo de Miguel Ángel, la fotografía de Marilyn Monroe dentro de una red de relaciones vividas, donde todos de nosotros, en todos tiempos, de todos lugares, encontrar nuestros reflejos en el arte de todos pueblos Es el único metropolitanismo digno de ese nombre.
Haciendo el Met, 1870-2020
Hasta el 3 de enero en el Museo Metropolitano de Arte, que reabre el 29 de agosto (los días de vista previa para miembros son el 27 y 28 de agosto). Visite metmuseo.org para obtener una descripción general de los protocolos de seguridad e información sobre emisión de boletos.
